どうも、中パンダです。
今月に入ってからはずっとM3の準備をしており、作曲のTIPS系の記事が書けずにいました（汗）
イベントが終わって落ち着いたら、再び投稿していきます・・・
さて、今回はイベント参加の告知です。
自分が代表を務めている同人音楽「PND音楽館」は、10月27日（日）に東京流通センターで開催される同人音楽即売会M3にサークル参加します！
配置スペースは、第一展示場 M-09b です！
約1年ぶりの新譜となる6th アルバム「Trail For Revival」を頒布します！
「悲劇からの復活」をテーマにしたトランス・ハウス系のCDです。
今回は初めてボカロ曲（初音ミク）を収録しました。
物悲しくも前向きになれる本作を楽しんでいただければ幸いです！
全6曲+インストバージョン3曲で800円です！
また、旧譜として5th アルバムの「Alive PAst Tragedy」も持っていきます。こちらはロック系です。
11曲入り1000円です。
M3に来られる方は、ぜひ当サークルのブースに立ち寄ってみてください！(´∀｀)
それでは、当日はお待ちしています！
ではではﾉｼ
どうも、中パンダです。
以前の記事で、ブルーノートスケールを使って大人びた雰囲気の曲を作る方法について解説しました。
その中で、「使い過ぎると大変なことになる」と注意書きをしましたが、
もしブルーノートを使いまくるとどうなるのか？
という疑問を持たれた方もいるかと思います。
つい先日、深夜の2時間DTMでこのテーマにぴったりな曲を作ったので、今回はこの曲を題材に記事を書いていきたいと思います！
解説に使う曲はこちらです。
タイトル：Honey Trap#深夜の2時間DTM 妖艶な曲
— 中パンダ@秋M3 M09b (@whitepanda924) September 21, 2019
途中で3回DAWが落ちたので作り直し
アルトサックス×ゴリゴリのEDMです！
"深夜らしい"曲になったので聴きたい人はご自由に…
※微エロ注意 pic.twitter.com/xXRz1EddAn
・・・言いたいことはいろいろあるでしょうが、今回はこちらの特にメロディについて解説します。
※以前の記事を読まれた方は読み飛ばしても構いません。同じ内容です。
以前の記事と重複しますが、今回紹介する曲で使っているブルーノートスケールについて軽く説明します。
ブルーノートスケールは本来、ジャズやブルースなどでよく使われるスケールで、メジャーペンタトニックスケールに♭Ⅲを加えたものと、マイナーペンタトニックスケールに♭Ⅴの音を加えたものの２種類存在します。
補足：構成音について
ペンタトニックスケールに加えられた上記の音をブルーノートと呼び、スケールのキーとなる音となります。
Cメジャーブルーノートスケール（C, D, E♭, E, G, A）
Cマイナーブルーノートスケール（C, E♭, F, G♭, G, B♭）
メジャー・マイナーどちらの場合もブルージーでけだるい感じの雰囲気を持っており、うまく使えば大人びた雰囲気を演出することができます。
しかし、ブルーノートを使いまくると大人びた雰囲気が過度に強調され、なまめかしい、やらしい感じの雰囲気になります。
今回解説する曲を作った際、深夜の2時間DTMで出されたお題は「妖艶な曲」でした。
「妖艶」を辞書で調べると、
あでやかで美しいこと。男性を惑わすようなあやしい美しさをいう。
とあります。
このとき自分は「男性を惑わすようなあやしい美しさ」に着目し、やらしい感じの雰囲気の曲がお題にピッタリであろうと考えました。
なので、ブルーノートをあえて使いまくり、曲を作ることにしました。
曲構成は
です。
以前解説した曲とはジャンルが違いますが、コード進行はセブンス系か否かという点以外ほとんど同じものを使っています。（コード進行はⅣ→Ⅴ7→Ⅵm→Ⅴ。前半3つのコード度数が同じ）
しかし、今回の曲の方がなまめかしい感じになっているはずです。はずです。（大事なことなので2回書きました）
Aメロメロディとブルーノートの箇所（青丸・青矢印）
違う点はメロディの中で使われるブルーノートの頻度です。
以前の例で4小節ごとに1回（多くても2小節に1回）程度の頻度でブルーノートを混ぜていました。
しかし今回の例、特にAメロでは1小節に1回の頻度で使っています。（ピッチベンドを使った一時的なブルーノートも含む）
さらに、以前の例のAメロは16分音符を中心にメロディを組んでいましたが、今回の例は8分音符が中心です。
メロディの中心となる音符の単位が大きいほど1音1音の影響力が強くなるため、「ブルーノートっぽさ」も強く表れます。
ブルーノートは、 Aメロ、Bメロ、サビといったパート全体で1,2回程度出現するくらいでも十分効果を発揮します。
自分で言うのも変かもしれませんが、今回の例は使い過ぎです。
Aメロだけで（16小節分ありますが）15回もブルーノートを使ったら、そりゃやらしくもなるでしょう。 （それを狙ったんですけど）
それに加えて、イントロに散りばめたボイスサンプルの効果と合わせて、雰囲気もかなり強調されます。
今回の曲がこんな雰囲気になってしまったのは、ある意味当然と言えるでしょう。
今回は、ブルーノートスケールを使いまくってやらしい感じの雰囲気にする方法ついて記事を書きました。
紹介した曲は自分の好奇心に基づいて作られた特殊なケースで、本来ブルーノートはここまで使いまくるものではありません。
「使いまくってしまうとこうなってしまうのか」と、反面教師的な見方でとらえていただければと思います。
何事も、やりすぎ注意です！
もしかしたら、今回紹介したやり方以外でもこの雰囲気は再現できるかもしれません。（自分はまだこれしか知りませんが・・・）
いろんな曲を聴いて、いろいろな表現方法を勉強しようと思います（笑）
それでは、今回はこの辺にしておきます。
ではではﾉｼ
どうも、中パンダです。
今回は、大人びた感じの曲を作るのに役立つスケールの話とその使い方の例について、自作曲を用いて解説したいと思います！
解説に使うのは、深夜の2時間DTMで作ったこちらの曲です。
タイトル：Night of PortTown#深夜の2時間DTM オーケストラヒットを用いた曲
— 中パンダ@秋M3 M09b (@whitepanda924) June 22, 2019
遅刻しました…
オケヒの年代的に1980年代っぽい曲を目指してたら、ちょっと大人びた曲になった… pic.twitter.com/PzXR4ZE5qj
2021/7/18追記：Audiostockでも配信しています。もしよろしければ、こちらも聞いてみてもらえればと思います。
こちらの曲を使って記事を書いていきます！
今回の曲では、ブルーノートスケールを使ってメロディを作っています。
ブルーノートスケールはジャズやブルースなどでよく使われるスケールで、メジャーペンタトニックスケールに♭Ⅲを加えたものと、マイナーペンタトニックスケールに♭Ⅴの音を加えたものの２種類あります。
補足：構成音について
ペンタトニックスケールに加えられた上記の音をブルーノートと呼び、スケールのキーとなる音となります。
Cメジャーブルーノートスケール（C, D, E♭, E, G, A）
Cマイナーブルーノートスケール（C, E♭, F, G♭, G, B♭）
メジャー・マイナーどちらの場合もブルージーでけだるい感じの雰囲気を持っており、西洋音楽にはない独特なスケールとなります。
さらに、このけだるい感じをうまく使えば大人びた雰囲気を演出することも可能です。
メロディ（最初～41秒付近）
メロディ（42秒～）
今回の例では、16分音符の裏でシャッフルさせているので、メロディもそれに合わせて裏伯を若干後ろにずらしています。
使っているのはCマイナーブルーノートスケールで、基本的にF→G♭→Fと下からしゃくる感じでブルーノートを混ぜています。（サビの一部でG→G♭→Gもあり）
ピアノロール上には反映されていませんが、42秒～のパートではピッチベンドを使ってブルーノートを表現する場所があります。
そのほか、この曲では使っていませんが、上の画像のようにブルーノートを非常に短い音符で打ち込んで直後の音と一体で鳴らす、という使い方もされます。
ブルーノート単体で鳴らすと癖が強すぎるので、このようにさりげなく混ぜることで癖の強さを緩和しています。
ぶっちゃけて言えば、ポピュラー音楽においてはどんなコード進行にでもブルーノートは使えます。
ただし、ブルースを作る場合は「基本３和音のカデンツでもドミナントセブンスにする」といった制約が生じます。（例：基本…Ⅰ→Ⅳ→Ⅴ→Ⅰ、ブルース…Ⅰ7→Ⅳ7→Ⅴ7→Ⅰ7）
これは、ブルースにおいてはドミナントセブンスの7thの音（特にⅣ7の7th）がブルーノートとして機能しているためです。
ちなみに、先ほど説明したメジャーの♭Ⅲやマイナーの♭Ⅴは、Ⅳ7（サブドミナント）の7thの音から来ています。
今回は洒落た感じを出したかったので、セブンスコードを基本としてA♭M7→G7→Cm（42秒以降はA♭M7→G7→Cm→E♭M7）というコード進行を使いました。
コード進行（最初～41秒付近）
G7のところで一時的にスケールアウトします。
今回の例では最初～41秒付近では4小節ごとに1音程度、42秒以降は2小節ごとに1音程度と、ブルーノートの使用頻度はあまり高くありません。
しかし、大人びた雰囲気は十分出ているかと思います。
ブルーノートは、通常のメジャースケールやマイナースケールには含まれない音なので、ものすごく特徴的で目立ちます。
そのため、この音が鳴らされた瞬間に曲の雰囲気がブルーノートっぽさに一瞬で染まってしまいます。
ですので、Aメロ、Bメロ、サビといったパート全体で1,2回程度の出現率でも、曲の雰囲気を司るには十分です。
使い過ぎると大変なことが起きます。
ブルーノートスケールには一つだけ注意点があります。
それは、ブルーノートを使い過ぎると「大人びた雰囲気」が強調され過ぎて、やらしい感じになってしまうという点です。
ブルーノートを1音混ぜるだけでも大人びた感じを十分出せるので、調子に乗って使い過ぎないようにしましょう（笑）
今回は、ブルーノートスケールを使って曲を大人びた雰囲気にする方法ついて記事を書きました。
ブルーノートは程よく使うと曲全体にけだるい感じを与え、大人びた雰囲気を与えることができます。
しかし、使い過ぎると大変なことになるので、混ぜすぎ注意です！
適度にブルーノートを混ぜ、大人びた雰囲気を演出しましょう！
それでは、今回はこの辺にしておきます。
ではではﾉｼ
どうも、中パンダです。
1年半以上前の話になりますが、とある回の深夜の2時間DTMにて、コード進行を指定するというお題がありました。
コード進行縛りのお題はさほど珍しくなく、ちょくちょく見かけます。
しかし、この回のコード進行は実に奇妙なものでした。
それは
【2/3 2時間DTM】
— 深夜の2時間DTM 次回9/17 (680th) (@2hoursDTM) February 3, 2018
本日のお題は「コード進行：Vsus4→V→IVsus4→IV」です。
22時～24時の2時間で作り、タグをつけ、各自アップロードしてください。
Cコードでは「Gsus4→G→Fsus4→F」です。曲中のどこかで使用して下さい。 #深夜の2時間DTM
Vsus4→V→IVsus4→IV
なんだこのコード進行は・・・？？
正直、初めて見ました。このコード進行。
そして、使い方が全く分かりません。
しかし、無理やりにでも必ずこのコード進行を使い、しかも2時間で完成させなければなりません。
鍵盤を弾いたり鼻歌を歌ったり、ピアノロールにちょっと打ち込んでみたりと、ありとあらゆる手を使ってアイデアをひねり出した結果・・・
できた曲がこちらになります！
タイトル：Innocent Memory
— 中パンダ@秋M3 M09b (@whitepanda924) February 3, 2018
#深夜の2時間DTM 「コード進行：Vsus4→V→IVsus4→IV」
最初の24小節あたりで使ってます（無理やり放り込んだ感が凄いですが（汗））
いつも通りピアノを前面に押し出した曲にしました！(笑） pic.twitter.com/2HSZTu6aqa
・・・自分で作っておいてアレですが、ギャルゲーのタイトルに合いそうな曲に聞こえるのは自分だけでしょうか・・・？（汗）
今回はこちらの曲を用いて、コード進行の特徴と自分がどのように使ったかについて記事を書いていきます。
※今回の解説のメインは、最初～41秒までになります。
このコード進行はピアノロールに打ち込むとこうなります。
Gsus4→G→Fsus4→F（Cメジャースケールの場合）
コードの機能を考えると、Ⅴはドミナント（D）、Ⅳはサブドミナント（SD）となります。
sus4はひとまず置いておくとして、このコード進行にはD→SDの流れが含まれていることになります。
sus4は「Suspended Forth Chord」の略称で、「吊るされた4度」もしくは「浮遊した4度」という意味があります。（個人的には「浮遊した～」という訳がしっくりきます）
曲中でよく使われるC, Dm, Fなどはスリーコードとよばれ、1,3,5度の音で構成されています。
sus4は、これらのコードの3度の音を"上に浮かばせ"、4度としたコードになります。
そのため、sus4は浮遊感のある独特な響きになります。
もともと3度だった音を浮上させたので、浮上された4度は半音一つ下の長3度に進みたがります。
そのため、Xsus4→X（XにはⅠ～Ⅶのいずれかのコードが入る）というコード進行がよく用いられます。
Xsus4→Xのコード進行
本題のコード進行にはXsus4→Xの流れが2回連続で出ており、しかも構成音が半音ずつ下がっていることが分かります。
普段よく使われるメジャースケールやマイナースケールでは、構成音が4回連続で半音になることはありません。
つまり、コード進行のどこかでスケールアウトします。（部分転調するとも解釈できます）
このコード進行の場合は3番目のⅣsus4のときに該当します。
公式ツイートにもあるように、Cメジャースケールでこのコード進行を使う場合はGsus4→G→Fsus4→Fとなり、Fsus4で部分転調が発生します。
ここで厄介なのは、「どこに転調するとみなすか」です。
なぜなら、Fsus4の構成音はF,Bb,Cで、この音が含まれるスケールとそのときのFsus4の度数は
の5つもあり、転調できるスケールの数が多いからです。（簡単化のためメジャースケールのみ列挙）
そのため、作る曲に応じて転調先を考えなくてはなりません。
今回はFsus4→Fの範囲で部分転調が発生したと考えて、半音5つ上のFメジャースケールに転調することにしました。（後で全体のキーを5つ上げたので、Fメジャー→Bbメジャーの部分転調になります）
さて、転調先が決まれば次は前後につくコード進行を考える必要があります。
先ほども述べた通り、今回使うコード進行はD→SDの流れを含んでいるので、前後にトニック（T）などを追加していきます。
ここで自分は、Ⅵm→Ⅴ→Ⅳ→Ⅰというコード進行に組み込むことにしました。
Ⅴ→Ⅳの部分に着目すると、お題となるコード進行と構造が一緒であることが分かります。
そして、よく使われているXsus4→Xの流れを2回連続で組み込むとⅤsus4→Ⅴ→Ⅳsus4→Ⅳという流れが出来上がり、最終的にⅥm→Ⅴsus4→Ⅴ→Ⅳsus4→Ⅳ→Ⅰというコード進行が完成します。
今回はFメジャースケール（Dマイナーとも解釈可能）で作っているので、コード進行は
| Dm | Csus4 C | Bbsus4 Bb | F C | となります。（最後のCはおまけ）
Bbsus4→BbでBbメジャースケールに部分転調しているので、 Bbメジャースケールに含まれる音を使ってメロディを作ります。
今回の例ではEbの音を使い、Bbメジャースケールに転調したことを聞き手に意識させています。
今回は、普段あまり見受けられないコード進行を音楽的に解析し、自分がどのように曲で使ったかについて記事を書きました。
深夜の2時間DTMでは、このように普段あまり使わないコード進行がお題として挙がることもあります。
そのたびに、「こんなコード進行もあるのか」ととても新鮮な気分になり、作曲の幅が広がったように感じます。
とはいっても、やはり2時間で作りきるのは限界があるので、別の曲でもこういった奇抜なコード進行を使ってみようと思います！
それでは、今回はこの辺にしておきます。
ではではﾉｼ
どうも、中パンダです。
作曲をしている人が少なからず直面する問題の一つに、「とりあえずサビだけ（イントロだけ・サビとAメロだけ etc）作ったけど、それ以外の部分が思いつかない」というものがあります。
自分の場合、1年間でおよそ80個のプロジェクトファイルが生成されますが、その中で完成まで持っていけるものは、以前は1割くらいしかありませんでした。（今は5割くらい）
ほとんどのプロジェクトファイルは、一部分のみ作ったあと先が思いつかず、そのまま終わりになってしまいます。
今回は、そういった「先が思いつかない」を少しでも防げるような作曲のコツについて、自分なりのやり方ですが記事にしたいと思います！
（少なくともこのやり方で作曲した場合については、全て最後まで作りきることができました）
まず作曲時に心掛けるべきポイントですが、
作曲と編曲を一緒にしない
に尽きます。
具体的には、次に示すやり方で作曲と編曲の同時進行を防ぎます。
まず、メロディとベース（もしくは伴奏）のみで構成されたトラックを1つ作ります。
そして、編曲は一切せず、イントロからAメロ・Bメロ・サビ・（場合によっては間奏・エンディングも）に至るまで一気に作ってしまいます。（さらに言うならば、サビから作った方が良い（後述））
メロディとベースを1トラックに（作成例）
こうすることで、作曲の工程を完全に終わらせてしまいます。
DTMの場合は"作曲だけ終わらせて完成"というケースは稀で、編曲までやって初めて完成とするのがほとんどかと思います。
作曲と編曲は似ているという方もいますが、全く違う別の工程で、求められるものも違います。
あくまで自分の考え方ですが、作曲と編曲には次のような違いがあります。
「続きを作る」という作業は作曲にあたります。そのためには少なからず「思いつき」が必要になり、メロディの感覚が研ぎ澄まされている必要があります。
しかし、ひとたび編曲に移ってしまうとこのセンスが鈍くなってしまいます。
そのため、ひらめきを作曲ほど必要としない編曲の後に、再び作曲に戻ろうとしてもなかなか勘を取り戻しにくく、結果として「続きが思いつかない」という事態が発生します。
メロディだけでも最後まで作り切り、思いつきが必要な工程を完了させてしまえば、あとは知識・経験に基づいて編曲するだけなので、曲も完成しやすくなります。
歌ものの場合、Aメロ・Bメロ・サビといったパート毎に別々の雰囲気を持たせることが多いですが、その雰囲気を支配する中心的な役割を果たすのはメロディであり、作曲が重要になります。
曲の続きが思いつかない原因の一つとして、既に作ったパートのイメージから抜け出せないというものがあります。
作曲の段階ではまだメロディとベース（伴奏）だけですが、編曲までしてしまうと曲のイメージがより強力に固定化されてしまい、続きが思いつきにくくなってしまいます。（曲の初めから終わりまで、編曲を含めて頭の中で完璧にイメージできていれば別ですが）
そのため、メロディとベースのみのシンプルな構成で曲をとらえることでイメージの固定化を防ぎ、続きが思いつき易くなります。
もし、作曲が終わる前に一部分でも編曲してしまった場合、メロディとベースのみのトラックを別で作り、編曲で作ったトラックを全てミュートします。
こうすることで、固定化されたイメージに囚われにくくなります。
（万が一超絶お気に入りの編曲ができてしまい、「あぁ＾～最高＾～」と編曲した部分を何十回も聴き込んでしまった場合は、なかなかイメージがぬぐえない可能性があります）
作曲を始める際は、サビからスタートすることをお勧めします。
サビは曲中で最も重要な部分であるがゆえに、最もエネルギーを費やすべき部分でもあります。
個人差はありますが、作曲のモチベーションは曲を作り始めた直後が最高であることが多く、ひらめきもその時が一番起こりやすいです。
しかし、時間と共にモチベーションは低下していきます。
自分が一番ホットな状態でサビを作ることで、モチベーション低下の弊害を受けることなく最高のサビを作ることができます。
その後は、自分の場合イントロを作ります。
イントロは曲のテーマや雰囲気を決める重要な部分なので、サビと同様に作る時はエネルギーを費やします。
この2か所さえ作ってしまえば、あとの部分（Aメロ・Bメロ・間奏 etc）はさほどモチベーションが無くても作ることができます。
むしろ、サビやイントロと対比させるために淡々としたメロディにすることが多く、作曲熱が冷めていた方が作り易いです。
どうしても続きが思いつかない場合、音楽理論や知識などを使って"機械的に"メロディを作ります。
そのとき、ある程度の制約を設けることで、出来上がった時に違和感が少なくなるようにします。
メロディが一部（サビとAメロ・サビとイントロ etc）出来ている場合、一度メロディの譜割を書き出します。
そして、既にできている部分とは違う譜割でメロディを考えます。
例えば、Aメロとサビが出来ており、共に8分音符中心でメロディを作っている場合、Bメロのメロディは
などが考えられます。
曲中ではサビの音程が一番高くなることが多いです。
そのため、例えば「サビは既に出来ているがAメロ・Bメロが思いつかない」といった場合は、サビの最高音を超えないように音域を制限して作曲します。
また、各パートにおける最高音と最低音の幅（音域）にも気を配ります。
自分の場合、サビはドラマチックな雰囲気にしたい時が多いので、サビではメロディの音域を広めに（1オクターブ半～2オクターブくらい）、それ以外の部分はサビとの対比のために音域を狭めに（完全5度～1オクターブくらい）作ることが多いです。
普段使わない音階を使うと、メロディが思いつく場合があります。
特にペンタトニックスケール（ヨナ抜き音階・ニロ抜き音階）は、日本人にとって親しみやすい音階なので、この音階を使うだけでキャッチーなメロディになったりします。（笑）
その他、ドリアンスケールやフリジアンスケール、アラビア音階などを使うのもよいかと思います。
ドリアンスケールの例
フリジアンスケールの例
よく使われるコード進行をまだメロディができていない部分に置き、コードの構成音を使ってメロディを作ると、それらしくハマる可能性が高くなります。
よく使われるコード進行（Cメジャースケールの時）はおよそ次の通りです。
JPOP風の場合、特に上3つのどれかを使うとそれらしい雰囲気になりやすいです。
また、既に出来ている部分からの勢いでメロディが思いつく場合があります。（メロディを作った後にコードを変更するやり方もあります）
先ほども書きましたが、このやり方はイメージが固定化されるためお勧めしません。
しかし、どうしても思いつかない場合、編曲した時の勢いで続きのメロディが思いつく可能性があります。（自分はほとんどありませんが(汗)）
人は追いつめられると、それまでとは想像できないほどの高いパフォーマンスを発揮します。（いわゆる火事場の馬鹿力）
このことを利用し、積極的に自分を追い込むことで無理やり曲を完成まで持っていきます。
その一つが、自ら締切を作ることです。
作曲の依頼を受ける場合や、公募に曲を出すといった場合、必ず締切が存在するので、そういったものに積極的に参加してみましょう。
ほぼ確実に曲が完成します（笑） 意地で完成させます（笑）
また、好きな人（推しキャラ）への誕生日ソングを作るのもありです。
誕生日は1年で1日しかないため、その日までに完成しなければ1年間待たなければなりません。
自分の好きな相手であれば「何としてでも作ってやろう」という強い意志が働くでしょうから、こちらも曲の完成まで持っていけます。
どうしても思いつかなくて煮詰まってしまった場合は、一旦DAWを閉じて気分転換をするのもありです。
体を動かしてみたり、食事に出かけたり、別の趣味をしてみたり、旅に出てみたり、布団に入ったり・・・
気分転換の最中に、ふと続きが思いつくかもしれません。
それでも続きが思いつかない場合、潔く諦めましょう。
「最高の1曲が出来そうだから諦めたくない」という方もいます（自分もそうでした）が、数週間くらい経ってからその作りかけの曲を聴くと、案外「大したことないな」となります。
1曲に長く時間をかけるより、同じ時間でもっといろんな曲を作った方が経験値を稼げます。
ここまで「続きが思いつかない」という事態にどう対処するか、自分の考え得る範囲の内容を書いてきました。
あくまで自分なりのやり方なので、読者の方々にも有効かどうかは正直わかりません。
しかし、もしこれらのやり方が有効であるなら、作曲のかなり大きな手助けになると思います。
少しでも参考になれば幸いです！
それでは、今回はこの辺にしておきます。
ではではﾉｼ
どうも、中パンダです。
ここ数日、打ち込みの力を伸ばすために既存曲の耳コピをしています。
耳コピは作曲・編曲スキルを伸ばすのに最適ですが、DTMを始めたばかりの頃はメロディを聞き取るだけでも苦労します。
また、それなりに作曲経験を積んでいても、楽器数が多い曲や音圧が高い曲は個々の楽器を聞き取るのが難しいことがあります。
今回は、耳コピをする際に手助けになるツールと、使い方のコツについて、自分なりの方法ですが紹介したいと思います！
この記事では前提として、DAW上に耳コピしたい曲のデータを読み込み、耳コピしたフレーズをMIDIに打ち込んでいくものします。
楽器があれば、聴いたメロディと実際の音の違いを埋め、音程の感覚を養いやすくなります。
聴き取ったメロディなどを一度楽器で弾いて確認し、音程が正しいかどうかチェックします。手順としては、
となります。
最初は正しい音程を一音当てるだけでも苦労するかもしれませんが、回数をこなすと徐々に音感がついてきて、耳コピスピードが上がってきます。
パソコンにつないでMIDIデータのやり取りができるなら、リアルタイム入力を使ってささっとコピーすることもできます。
ドラムの細かいフィルインやアドリブ演奏の細かいフレーズなど、鳴っている時間が非常に短い音を聞き取るときに役立ちます。
方法は使用しているDAWによりますが、Cubaseの場合、まず読み込んだ曲データをサンプルエディターで開き、ミュージカルモードのボタンを点灯させます。
その後、プロジェクト画面に戻ってミュージカル/リニアの項目を点灯させます。（最初から点灯している場合が多いですが）
こうすることで、DAW側でテンポ変更をしたときに取り込んだ波形データも自動的に伸縮して、DAWのテンポに合わせてくれます。
（再生位置がずれる場合は、その都度位置の修正が必要になります）
コピーしたい楽器パートが聴き取れない時、楽器の特性に合わせてEQ/フィルターをかけると、そのフレーズが聞き取りやすくなります。
以下に、聞き取るパートごとの主な設定例を書いていきます。
EDM系は50～60Hz付近（ドラムンベースは120Hzのものもある）、ロック/バラード系は80～100Hz付近をEQでブーストし、それ以外をカットすると、バスドラムが聞こえやすくなります。
ヘヴィメタルのような激しいジャンルでは、低音に加えて6k～10kHz辺りをブーストすると聞き取れる場合があります。
これは、この辺りの帯域にバスドラのビーター音（バスドラの皮をベチベチ叩く音）が含まれるためです。
この方法により、低音部分だけではフレーズの切れ目がわからない速いフレーズでも、比較的聞き取りやすくなります。
目立つ音色なのでバスドラほど聞き取りにくくはないですが、音圧が高いと聞き取るのに苦労するかもしれません。
また、EDMではスネアがバスドラに埋もれて聞き取りにくい曲が多いです。
この場合は200Hz付近をブーストし、それ以外をカットします。
曲中において、スネアは2拍目と4拍目に入っている確率が極めて高いので、EQを設定したときにこのタイミングでポコポコ鳴っていれば、それがスネアになります。
あとは、2拍目と4拍目以外にスネアが入っていないか耳を澄ませましょう。
もし聞き取れない場合、ブーストする帯域を上にずらし、500Hz付近まで上げると聞き取れる場合があります。（ハンドクラップ系で有効）
120～200Hzあたりをブースト&それ以外をカットすると、聴きやすくなります。
生楽器系のベースを使っている場合、2k～8kHz辺りをブーストすると弦をはじく音が聞き取れる場合があります。
こちらは、ベースがトリッキーなフレーズを弾いていて、音の切れ目が分かりずらい時なんかに使えると思います。
200～300Hz付近（ギターの胴鳴り部分）と4kHz付近を同時にブーストし、それ以外の帯域を削ります。すると、ギターの響きが浮かび上がってきます。
和音（特にギターのコード）は慣れていないと聞き取るのが難しいです。（セブンスコードなどは特に）
聴き取れない時は、とりあえず3和音の簡単なものと仮定して打ち込み、耳コピを先に進めましょう。
コードの響きは、何回も聞くと響き自体を覚えるようになるので、次回以降の耳コピでは打ち込みやすくなります。
8k～10kHz辺りをブーストし、それ以外をカットすると聞き取りやすくなります。
EDMではハイハットとは別にホワイトノイズなどが入っていて、帯域が被って聞き取りにくいことがあります。
その場合は、ブーストする帯域を少し下にずらし、5k～7kHzに設定します。
ハイハットでも意外と低い帯域まで音は含まれているので、この帯域をブーストすることでハイハットが聞き取れる場合があります。
Qを絞って特定帯域のみブーストし、耳コピしたいパートのみ音量が大きくなる周波数帯を探します。
あとはそれをコピーします。
上物など、左右に定位が散らばっていてフレーズが聴き取りにくものは、Stereo Enhancerなどを使ってモノラル音源に変えてみましょう。
そうすることで、ステレオよりも聞き取りやすくなることがあります。
（なおさら聞き取りにくくなる場合は、逆にステレオ感を広げるのもありです）
L・Rで表現されるオーディオデータをMidとSideに分ける作業ですが、耳コピでそんなことするような方はほとんどいないんじゃないでしょうか？（笑）
ただ、MS処理とはいってもMidの音量を0にしてSideだけが鳴っている状態にするだけです。
そうすることで、Midにかき消されていたSideの音が驚くほど鮮明に聴き取れます。（メロディのハモリのパートが聞こえたりもします）
この作業はプラグインを使えば一瞬でできます。
MidとSideの音量を個別に調節できます。WAVESバンドルのGrand Masters Collection, Horizon, Diamond, Mercuryにも収録されています。
先ほどのプラグインと機能は似ていますが、こちらはフリープラグインになります。
64bit版があるので、32bit非対応のCubase Pro 10でも使えます。
今回は、DAWを使って耳コピするときに役立つツールと、その使い方について書きました。
ツールを使うと比較的簡単にフレーズがコピーできますが、それでも完全にコピーしきるのは難しいです。
そのため、ある程度コピーしたらその先のパートに進むことも重要です。
作曲は音楽理論などの知識以上に経験がものを言います。
ある箇所を完全にコピーしようとしてずっと立ち止まっているより、クオリティはそこそこにして耳コピする数を増やした方が、経験値を得やすいです。
この記事で紹介したツール&コツを使って耳コピにかかる時間を短縮し、より多くの曲がコピーできるようになることを願っています。
とりあえず1曲耳コピを完成させて、次の曲を耳コピしましょう！
というわけで、今回はこの辺にしておきます。
ではではﾉｼ
どうも、中パンダです。
数日前の話ですが、自分が普段DTMをやっている環境にトラックボールマウスを導入しました！
DTMはマウス操作がかなり多いので、トラックボールマウスを導入することで作業がスムーズになると思われます。
今回は、自分がどんな基準でトラックボールマウスを選んだか、導入した後に感じたメリット・デメリットについて記事を書いていきたいと思います！
通常のマウスと操作が違うためか、トラックボールマウスに関しては、機種によって自分に合う・合わないの差がよりはっきりと出るように感じました。
そのため、買う前に実物を触ってから選ぶことをお勧めします。
口コミなどで評価が高いマウスでも、操作感がいまいち気に入らなかったり、手の大きさに合わなかったり、指を動かすときの癖とボールの配置がかみ合っていなかったりと、いろいろな要因で「イメージと違った」という感想を抱くことがあります。
自分は最終的にはネットで買いましたが、買う前に一度家電量販店で実物を体験操作してみて、そこで自分に合いそうなマウスに目星をつけていました。
トラックボールマウスは安くて2000円くらいから、上は10000円を超えるものまで様々で、パソコン機材の中ではさほど値段のかかるものではありません。（マウスにしては高いかもしれませんが…）
しかし、どうせ買うのなら自分と長く付き合える商品を買いたいものです。
実物を触らずに買って、「やっぱりなんか微妙」となってそのまま使わず仕舞いになってしまってはもったいないので、まずは実物を触ってから決めましょう。
トラックボールマウスは、ボールの位置によって大きく2種類に分けられます。
通常のマウスの親指の位置にボールが組み込まれているタイプです。
ボールは親指で操作することになり、操作感は通常のマウスとほとんど変わりません。
そのため、普段トラックボールマウスを使ったことがない人でも馴染みやすいです。
ただ自分の場合、ボール操作で親指を前後左右に動かすのが気に入らない（+親指を痛めそうだ）と感じたため、今回は選びませんでした。
通常のマウスとは全く形状が異なります。一枚のプレートの上にボールがのっかっており、人差し指（もしくは中指・薬指）を使って操作するタイプです。
一部、手のひら全体を使ってボールを操作できるタイプもあります。
親指を使って操作するタイプと比べて、指にかかる負荷が小さいです。
また、このタイプの機種は左右対称で作られているものが多いので、利き手に関係なく使えます。
ただ、操作感が通常のマウスと全く違うので、操作に慣れるまで時間がかかります。
今回の買い物では、こちらのタイプを買いました。
まあ、操作は慣れればいいだけなので（汗）
機種によっては、ボールが窪みにハマっているだけで固定されていないものもあります。
ただこちらは、ボールを転がすときにボールがガタついて、画面内のカーソルがブレることもしばしばありました。
DTMでは細かい操作が何かと多いので、この辺りも注意して選びました。
左・右クリック以外のボタンの数です。
数が多いと、いろいろな操作（ダブルクリック・ホームページの進む・戻るetc）をマウスだけでこなすことができます。
個人的には、スクロールバーを動かすためのスクロールホイールがついていると便利だと思います。
以上のことを踏まえて、今回はケンジントン Orbit Trackball with Scroll Ring KT-2337 という機種を買いました。
キーボードスライダーとトラックボールマウスを導入した！ pic.twitter.com/8muBnV91Fh
— 中パンダ@秋M3 M09b (@whitepanda924) August 1, 2019
導入の様子。ついでに、後付けのキーボードスライダーも買って環境を整えました。
マウス周辺詳細
通常のマウスは本体そのものを手で持って動かすため、ある程度のスペースが必要でした。
しかし、トラックボールマウスは手の指だけで操作するので、マウス本体分のスペースが確保できれば十分です。
通常のマウスでは、腕全体を持ち上げてマウス操作していたため疲れやすく、肩こりなどがひどくなることがよくありました。
しかし、トラックボールマウスの場合腕をほとんど動かさないので、長時間の作業でもあまり疲れを感じずに作業することができます。
通常のマウスだと、本体を思いっきり滑らすとマウス（物理）が飛んでいきます。
しかしトラックボールの場合、ボールを思いっきり転がすと慣性でボールが回り続け、カーソルが画面の端の方まで飛んでいってくれます。
（ボールに傷がつくので、あまり乱暴な使い方はお勧めできませんが…）
DTMでは特に、オートメーションを書くときに威力を発揮します。
通常のマウスとは違いボールを転がすだけなので、より滑らかなカーソル移動が可能になります。
そのため、角ついた線ではなく、滑らかな曲線のオートメーションを簡単に書くことができます。
よく「オートメーションはペンタブで書く」という方をちらほら見かけますが、このマウスがあればそんな必要は無さそうです。
記事の前半にも書きましたが、通常のマウスと操作が全く異なるとだけあって、導入した直後は操作が難しく感じました。
この辺りは個人差はあるものの、慣れるまでしばらく時間がかかりそうな印象です。
他の記事でも言及されていますが、トラックボールマウスをしばらく使っていると、ボールと溝の間に埃がたまったり、ボールに汚れがついたりして、反応が悪くなることがあります。
なので、時々ボールを磨いたり埃を取ったりといったメンテナンス作業が必要になります。（あまり頻繁にやらなくてもいいらしいですが）
指先だけでマウス操作をしている分、通常のマウスより手ぶれの影響が出やすいように感じました。
また、クリックしたときに指がボールに触れていると、ボールが一緒に動いてしまい、カーソルがずれることがあります。そのため、クリックするたびにボールから指を離さなければなりません。
自分の場合、ピアノロール上でノートの打ち込みやベロシティ調整などのとても細かい作業を行うことが多いですが、ノートをクリックしようとしたらカーソルがずれてクリックできなかったり、ベロシティ調整したいノートとは違うノートのベロシティを弄ってしまったり、（少なくともボール操作に慣れていないうちは）作業がしにくいように感じました。
こういうこともあって、しばらくはトラックボールマウスと通常マウスを併用するつもりです。（USBポートに空きがあれば、複数マウス差せますし）
今回は、DTM環境にトラックボールマウスを導入してみたという記事を書きました。
トラックボールマウスは操作感が通常のマウスと全く違うため、一言で言うと「慣れが必要」という結論に至りました。
ただ、うまく使いこなすことができれば、長時間の作業でも体にかかる負荷を軽減できるので、しばらく使い込んで慣れていきたいと思います！
DTMをされている方の中には、トラックボールマウスを検討されている方もいるかと思いますが、導入するときの参考になれば幸いです！
それでは、今回はこの辺にしておきます。
ではではﾉｼ
